이한주

이한주 작가의 작품은 시각적 즐거움을 넘어, 관객들에게 깊은 감정적 울림과 위로를 전하는 매개체로 작용하며, 단순한 미적 경험을 초월해 인간 본성과 삶의 의미를 탐구하는 중요한 수단이 된다.

그는 철이라는 재료를 통해 인간관계의 복잡성과, 그 안에서 발견한 자연과의 평화로운 연결고리를 탐구하는 독창적인 접근 방식을 보여준다. 차갑고 단단하면서도 따뜻하고 유연해질 수 있는 철의 이중성은 마치 우리의 삶이 강인함과 유연함을 동시에 지니고 있는 모습과도 닮아 있다. 그의 작업은 이러한 이중성을 통해 삶 속에 숨어 있는 대조적 아름다움과 예측할 수 없는 울림을 전한다.

또한 작가는 철과 같은 전통적인 소재에 조명, 실, 자개와 같은 현대적이고 이질적인 재료를 결합해 관객에게 신선한 감정과 사고를 경험하게 한다. 그의 작품은 단순히 '보는 것'을 넘어, 관객 스스로 자신의 내면을 돌아보게 하며 인간관계 속에서 경험하는 다채로운 감정의 깊이를 이해하도록 이끈다.

이한주 작가의 작업을 마주한 관객은 자신의 내면을 성찰하고 감정을 탐구하며, 삶의 복잡한 진실과 맞닥뜨리게 된다. 이는 단순한 감상에 그치지 않고 마음속 깊은 여운으로 남아, 예술이 지닌 치유의 힘을 실감하게 하는 계기가 될 것이다.

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hanjulee

스틸캔버스에 자개를 사용한 저의 내면 시리즈는 철과 자개의 대조를 통해 인간의 복잡한 심리와 양면성을 탐구하는 작품입니다. 작품 속에서 철은 강인함을, 자개는 연약함을 상징하며, 이 두 요소는 우리의 다양한 모습을 나타냅니다.저는 저의 삶을 바다의 거대한 여행자인 혹등고래에 비유함으로써, 여행자로써 겪는 희망과 절망의 복합적인 감정을 상징적으로 보여주며, 인생의 깊이를 더해가는 여정을 보여주고자 했습니다.

Inside - where whales live

700도가 넘는 고온에서 가는 스테인드글라스 스트링유리를 녹이고 엮는 과정은 언제나 세심한 주의를 요합니다. 작업 중 유리는 쉽게 깨지고 끊어지기도 하지만, 조심스럽게 다시 이어 붙여 하나의 형태를 완성해 나갑니다. 이러한 반복적인 과정을 통해 유리는 새로운 물성을 얻고 빛을 머금으며 독자적인 존재로 재탄생합니다.

이는 작가의 삶 속 감정들이 지나온 과정과도 맞닿아 있습니다. 늘 내면에 존재했음에도 불구하고 때로는 외면하거나 낯설게 느껴져 온전히 수용하기 어려운 순간들이 있었습니다. 그러나 시간의 흐름 속에서 이러한 감정들을 회피하지 않고 직면함으로써, 결국 스스로를 구성하는 소중한 일부로 받아들이게 되었습니다.

조형 작품 〈낯선 익숙함〉은 바로 이 성찰의 과정을 담아내고 있습니다. 유리를 녹이고 엮어 빛을 머금게 하는 고된 과정처럼, 흘러온 시간 속에서 다양한 감정을 인정하고 스스로를 수용해 온 작가의 삶을 금속과 빛이라는 조형 언어로 형상화하였습니다.

〈낯선 익숙함〉: 감정의 물성과 빛으로 빚은 자화상

문래화해花海

명사 : 꽃의 바다라는 뜻으로, 꽃에 휩싸인 넓은 지역을 이르는 말. - 네이버 국어사전

문래화해花海프로젝트는 힐링포레스트를 방문해 주신 많은 분들과 문래동 곳곳에 꽃이 바다를 이루고 과거와 현재, 생각이 다른 모든 이들이 서로 어우러져 화해和解하고 소통하는 이상적인 마을공동체를 꿈꾸며 시작한 작업이다.

심연深淵 / Deep Abyss

「오월의 정원」: 희망과 치유가 공존하는 내면의 서정적 기록.

많은 이들에게 만물의 소생과 희망의 계절로 기억되는 '5월'. 하지만 저에게 「오월의 정원」은 단순한 생명의 환희를 넘어, 제가 살아오며 마주했던 기쁨, 슬픔, 상처, 그리고 치유와 회복의 순간들이 고스란히 새겨진 사적인 인생의 정원이야기입니다.

이 작품은 특히 '버려지는 유리'를 핵심 매개로 활용합니다. 유리가 깨지고, 녹고, 다시 이어져 새로운 형상을 만들어내는 불확실하고 우연적인 과정은 곧 제 삶의 궤적을 비추는 거울과 같습니다. 의도한 것과 의도치 않은 것 사이에서 탄생하는 작품처럼, 삶의 예측 불가능성을 정직하게 담아냈습니다.

작품 속에 그대로 스며든 '깨짐의 흔적'들은 파괴가 아닌 또 다른 생성의 의미를 지니며, 삶과 예술을 잇는 솔직한 고백이자 증거로 자리합니다. 「오월의 정원」은 단순히 저의 개인적인 이야기를 넘어, 관객이 각자의 내면에 숨겨진 정원을 떠올리고 깊이 있는 감정을 투영할 수 있는 열린 공간이 되기를 바랍니다.

이 정원은 저에게 탄생과 성찰, 그리고 새로운 출발을 담아내는 서정적인 장소이자, 앞으로 이어질 작업 세계를 지탱하는 근원적인 토대가 될 것입니다.

오월의 정원 01

작품 설명
많은 이들에게 5월의 정원은 만물이 소생하고 희망이 넘치는 계절의 이미지로 기억되지만, 음력 5월생인 저에게 오월의 정원은 단순히 생명의 환희를 의미하지는 않습니다. 그 정원은 기쁨과 희망뿐 아니라, 제가 살아오며 마주했던 슬픔과 상처, 치유와 회복의 순간들이 고스란히 새겨진 사적인 인생의 정원입니다. 그 정원 안에서 저는 철과 빛, 패브릭과 자개, 그리고 무엇보다 버려지는 유리와 같은 다양한 재료들을 다루며 복합적인 감정의 층위를 시각화합니다. 유리라는 재료는 깨지고 녹으며, 다시 이어지고 새로운 형상을 만들어냅니다. 이 불확실하고도 우연적인 과정은 곧 제 삶의 궤적을 비추는 거울과 같습니다. 작품은 언제나 제가 의도한 것과 동시에 의도하지 않은 것 사이에서 태어나며, 그것은 삶이 계획대로 흘러가지 않는 모습을 닮아 있습니다. 특히 그 과정에서 생겨난 깨짐의 흔적은 결코 지워지지 않습니다. 오히려 작품 속에 그대로 남아 정원의 한 요소처럼 스며들며, 파괴가 아닌 또 다른 생성을 의미합니다. 그 흔적들은 저의 솔직한 고백이자, 삶과 예술을 잇는 정직한 증거로 자리합니다. 따라서 「오월의 정원」은 단지 제 개인적인 이야기를 넘어, 관객이 각자의 내면에 있는 정원을 떠올리고 감정을 투영할 수 있는 열린 공간이 되기를 바랍니다. 저에게 이 정원은 탄생과 성찰, 그리고 새로운 출발을 담아내는 서정적 장소이며, 앞으로 이어질 제 작업 세계를 지탱하는 근원적 토대가 될 것입니다.

오월의 정원 02

오월의 정원 03

해야

현실과 맞닿아 있는 환상을 그리고 있는 작가, 해야입니다.

youtube

heyaillust

우아하게 그리도록

무엄하도다

예쁘게 그리도록

무례하구나

Drowning

사로잡힌 Captured

안성인 (ASI)

2020~현재 주식회사 모렉스 근무 - Working at MOREX Comp.
2019 일리노이 시카고 대학교 파인아트 졸업 - University of Illinois at Chicago - Fine Art Bachelor Degree

ARTIST STATEMENT

희노애락은 우리 삶 속에서 늘 함께하는 감정이다. 기쁨(희), 분노(노), 슬픔(애), 즐거움(락)은 소중한 가족, 친구, 그리고 인연과 함께 나누며 살아간다.

삶은 때때로 영화 투모로우처럼 거센 눈폭풍이 몰아쳐 불안과 혼란을 안겨주지만, 그런 상황 속에서도 우리는 희망을 찾아야 한다. 경제적 불황과 사회적 불안 속에서도 희망의 빛이 어둡게 느껴질 때가 많다. 
때로는 소중한 사람을 갑작스레 떠나보내며 하늘에서 쏟아지는 눈물처럼 슬픔이 북받쳐 오르기도 한다. 
하지만 태풍이 지나가고 단풍이 남아 추억을 간직하듯, 시간은 흐르고 다시 따스한 햇살이 비추며 새로운 시작을 열어준다.

같은 동네에서 자란 사람들이 시간이 지나면서 각자의 길을 가게 되지만, 마치 나무의 가지가 멀어져도 뿌리는 하나인 것처럼, 함께한 추억과 공유한 시간들은 영원히 기억 속에 남는다. 
삶의 길을 달리다 넘어져 상처가 나더라도, 저 멀리 골인 지점에서 희미한 빛이 보이면 눈물이 흐른다. 그 눈물에는 기쁨과 슬픔, 고통이 함께 담겨 있다.

사람들은 바쁜 현실 속에서 연못 속 물고기처럼 아둥바둥 살아가지만, 바다로 나가면 더 넓은 세상을 향해 헤엄칠 수 있다. 작은 성공의 순간들이 모여 결국 큰 기쁨을 만들어낸다. 희(喜)는 기쁨, 노(怒)는 분노, 애(哀)는 슬픔, 락(樂)은 즐거움—이 모든 감정이 어우러져 우리는 살아간다.

이것이 바로 희노애락, 그리고 우리의 삶이다.

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Hee-Noh-Eh-Rak (Emotion) : Joy, anger, sadness, and pleasure exist in our lives and are shared with our precious family, friends, and relationships.

When life is struck by a fierce snowstorm and thrown into disorder—much like in the movie “Tomorrow” by director Roland Emmerich—the light of hope may seem dim amid economic and social instability.

When a loved one unexpectedly departs, sadness pours down like rain from the sky. Yet, just as we preserve memories in the beautiful autumn leaves after a passing typhoon, people will find a new beginning under the warmth of the sun.

Even though people who grew up in the same neighborhood eventually go their separate ways, their roots remain firmly connected, like branches of a single tree. Even if we stumble and get hurt on life’s path, tears may flow when we see a faint light at the journey’s end. Through those tears—where joy, sadness, and pain intertwine—we realize that we are growing while remaining connected to our roots.

Most people live like fish in a pond, caught up in the busyness of reality. But when they venture into the vast ocean, they discover a wider world. Small moments of success accumulate into great joy, and all these emotions—joy, anger, sorrow, and pleasure—blend together, shaping the way we live.

This is joy, anger, sorrow, and pleasure—this is life.


sunginahn

The Anxiety of the Future (미래의 불안)

희노애락

The Delegation of the Mind 

Come on[E]

Happiness Vibes

Open The Mind 3

장승호

회화 속 삶의 행위는 세상에 존재하는 이유가 되었다.

작가로서, 이 나라에 사는 인간으로서의 고민은 고립감이다. 사회아닌 사회 우리아닌 우리속에 갇혀있는 모두가 각자도생하는 사회. 공동체는 갈등과 혐오로 물들어가고 있고 예술에 대해 논하는 과정, 세상의 정의에 관해 논하는 것 자체가 거추장스러운 것으로 여겨지고 있다. 흰색의 차가운 공간에 빽빽하게 들어서 있는 작품도 상품도 아닌 개성없는 흔적들로 도배되어 있는 아파트 닭장같은 공간앞에  자본의 부속품이 되어 서로 사진 찍어주기 바쁜 사람들. 서로에 대한 성찰과 비판의 문화는 어디서도 찾아볼 수 없다. 비정상이 일상이 되어가는 시대에서 예술가로서 한 인간으로서 존재해야 한다는 것이 어떤 의미를 갖는 것일까? 내가 그리는 행위는 비정상의 구조 안에서 생존하기 위한 일종의 심리적 저항의 몸부림 이었다.

 추상 그리고 회화는 삶이 되었고 일상이 되었다. 삶의 패턴, 스타일로 자리 잡았다. 동반자이자 가족이 되었다고 느낀다. 그러나 한편으로 두렵다. 각자도생을 위한 삶의 방식이 되는 것은 아닐까 라는 그리고 그렇게 표면에서 비춰지는 것은 아닐까 라는. 나는 찾고 싶다. 내가 어디서 왔고 어디로 가야 하는지를. 예술가의 사회적 역할을, 자본에 종속된 무한경쟁사회 안에서 우리 없는 우리 안에서 예술가로 산다는 것이 무슨 의미가 있는지를, 그 안에서 유토피아적 세상을 꿈꾸는 것이 가능 한지를, 나아가 우리라는 울타리를 규정하는 모더니즘이 탄생하는 것이 가능 한지를.-----‐-----------------------------------‐--------------------------------------------------In the compelling brushstrokes of @jangseungho_art, life within a painting becomes a raison d'être. As an artist and a citizen, Jang confronts the pervasive isolation that permeates our society-a society that is both ours and not ours, where individuals struggle alone amidst a backdrop of conflict and disdain. 

"The act of painting has evolved into a psychological struggle, a resistance against the abnormal structures that define our lives today," Jang reflects. His work, which lies at the intersection of abstraction and life, becomes not only an artistic endeavor but a daily companion and a familial presence. Yet, he admits a fear that his art might merely echo a survival tactic in a society rife with self-sufficiency and detachment. 

Through his canvases, Jang Seung-ho seeks to explore and question the role of the artist in a world dominated by capital and devoid of community reflection. "What does it mean to exist as an artist in a society that seems to have lost its way? Can we dream of a utopian world, or redefine modernism within our barriers?" he ponders. 

Explore the profound themes and vivid expressions in Jang Seung-ho's work at ArtSpoon. Dive into a world where art challenges, reflects, and transforms. His paintings are not just art; they are invitations to find our origins, our paths, and our meanings in a rapidly changing world. Visit ArtSpoon to view Jang Seung-ho's impactful artworks and join us in reflecting on the artist's crucial societal role. Let his canvases inspire your thoughts and your conversations.

seunghojang

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김령아

NEOILLUSION
" Illusion : Utopia : Hallucination : Fragment"

내면 깊숙이 숨겨두었던 일부분과 기억의 파편처럼 흩어진 감정의 잔상들을 겹쳐 하나의 장면으로 형상화한다.

이 장면은 단순한 이미지에 그치지 않고, 
또 다른 세계로 이어지는 문으로, 
고요한 휴식처이자 자유로운 상상의 나래를 펼칠 수 있는 동화 같은 공간으로서 상처받은 마음을 감싸 안고 치유로 이끄는 공간이 된다.

겹쳐짐으로 탄생한 장면은 감정과 기억이 만나 새롭게 재구성된 공간으로, 
내면의 고통을 이해하고 받아들이는 과정을 시각적으로 구현하며,
고통으로 벗어나 평온과 자유를 주는 공간으로 유토피아로 정의한다.

당신을 "NEOUTOPIA" 로 초대합니다.

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NEOILLUSION
" Illusion : Utopia : Hallucination : Fragment"

Like a part hidden deep inside and a fragment of memory.
The afterimages of emotions are superimposed and shaped into a single scene.

This scene is not just an image, but a door to another world,
It is a quiet resting place and a fairy tale-like space where you can spread your free imagination, and it becomes a space that embraces your wounded heart and leads to healing.

The scene created by overlapping is a newly reconstructed space where emotions and memories meet,
visually embodying the process of understanding and accepting inner pain,
It is defined as a utopia as a space that gives peace and freedom away from pain.

We invite you to "NEOUTOPIA".

- kim ryeong ah -


link

ryeongarts

Amethyst

Obscurity

Cheeze

유영 游泳

Echo

icily

유하연 

ARTIST STATEMENT

나는 늘 ‘어떻게 살아가야 하는가’라는 질문 속에서 작업을 이어간다. 고요한 순간마다 수많은 생각들이 스쳐 지나가고, 그 중 어떤 것은 깊게 파고들며 나를 붙잡고, 어떤 것은 흔적 없이 사라진다. 이러한 생각들은 때로 두려움이나 솔직함 같은 감정으로, 때로는 인간관계나 본질에 관한 질문으로 모습을 바꾼다.

그림은 나를 이 복잡한 흐름에서 잠시 비워내는 행위다. 캔버스 앞에서 몰두하는 동안 생각은 조용해지고, 대신 색과 형태가 나의 질문을 대신한다. 화면 속 인물들은 깊이 생각에 잠기거나, 한 가지에 몰두하여 외부의 방해를 받지 않는 존재로 나타난다. 그들은 나 자신이기도 하고, 스쳐간 누군가이기도 하다.

나는 인간의 내면과 관계, 그리고 그 사이에 존재하는 모호한 경계를 탐구한다. ‘사람과 사람 사이’, ‘생각과 감정 사이’, ‘나와 나 사이’를 거닐며, 길을 잃는 경험을 화면 위에 옮긴다. 이 길 잃음은 단절이 아니라, 나를 다시 움직이게 하고, 때로는 자유롭게 하는 연습이 된다.

나의 작업은 명확한 답을 제시하지 않는다. 대신 관객이 화면 속에서 각자의 질문을 발견하고, 잠시 멈추어 사유하는 시간을 갖기를 바란다.

I have always continued my work within the question, “How should I live?” In moments of stillness, countless thoughts drift through my mind—some linger and pull me inward, others pass without leaving a trace. These thoughts often shift forms: sometimes becoming feelings like fear or honesty, other times turning into questions about human relationships or the essence beyond appearances.

Painting is my way of emptying myself from this complex current. In the quiet concentration before the canvas, my thoughts grow still, replaced by colors and forms that carry my questions instead. The figures in my paintings are often absorbed in deep thought or fully immersed in a single act, free from external distraction. They may be myself, or someone I once crossed paths with.

Through my work, I explore the inner landscapes of human beings, the nature of relationships, and the ambiguous spaces between them—between people, between thoughts and feelings, between myself and myself. I wander through these in-between spaces, translating the experience of being lost into imagery. This “getting lost” is not a rupture, but a practice that keeps me moving, and sometimes, sets me free.

My paintings do not aim to offer clear answers. Instead, I hope they invite viewers to find their own questions within the work, to pause, and to enter a space of contemplation.

uhayeon

Somewhere Else – Almost

Somewhere Else – Further

Where Are They All Going (대체 어디로 가는 걸까)

If I Am Not There (내가 그곳에 없다면)

Still Here (아직 여기에)

A Very Slow Night (아주 느린 밤)

전시이력

수상이력

레지던시이력

학력

김봉환

 ‘인간’을 주제로 하여, 사람에게 중요한 생활공간과 외부로부터의 보호, 사회성, 지역성, 그리고 문화성을 나타내는 매개체인 건축과 건축물에서 영감을 받아 가구와 리빙 디자인 소품을 제작하고 있습니다. 이 과정에서 재료의 물성과 이해를 바탕으로, 숙련된 기술과 장인정신을 살려 디자인 및 제작에 임하고 있습니다.
 작업의 특징은 건축물의 조형적 요소를 재해석하고, 이를 리빙에 관련된 사물의 형태에 적용하여 새로운 조형미와 아날로그 감성, 그리고 기능성을 갖춘 사물 디자인을 추구하는 것입니다. 더 나아가 각 금속 부품이 유기적으로 결합하여 하나의 새로운 조형을 이루는 모습은 여러 사회 구성원이 모여 하나의 사회를 형성하는 과정을 상징하며, 사회성과 문화성을 표현하는 의미를 담고 있습니다.

kimbonghwan3816

전통 목조건축의 결합 방법인 결구법을 응용하여 현대적으로 재해석한 플로어 스탠드 조명.


창살 플로어 스탠드

백로드 혼 구조를 응용한 구조를 통해 저음을 강조 하였으며, 한국적인 색감과 결구 구조가 돋보이는 무동력 스피커.

Speaker M-01

한국 목조건축의 조형요소인 결구법과 창살문양을 이미지를 모티브로 조명의 결합구조와 한국적인 미를 현대적으로 재해석한 테이블 스탠드.

 테이블의 조형적 특징은 한국의 목조건축양식 중 홈을 내어 끼우는 결구법 방식의 응용과 현대의 결합방법인 볼트와 너트를 같이 사용하는 방식으로 구조를 이루었다. 전통소재인 목재를 오늘날의 재료인 알루미늄과 폴리카보네이트를 사용하여 재료적인 시각에서도 현대적 재해석을 나타내고자 하였다.

창살 스탠드 

전통 목조건축 방법인 결구법과 창살문양에서 영감을 받아 현대적인 재료인 스테인리스 스틸과 알루미늄, 플라스틱을 사용하여 전통적인 색과 요소를 헤드폰거치대에 접목하여 현대적 시각으로 표현한 헤드폰 거치대 시리즈의 세번째 작품이다.

H Station3

백로드 혼 구조를 응용하여 저음의 강조와 한국적인 색감과 결구 구조가 돋보이는 Speaker M-01의 compact version

Speaker M mini

전통 목조건축의 결합 방법인 결구법을 응용하여 현대적으로 재해석한 스탠드 조명.

전통재료인 나무를 스테인리스스틸로 전통 창호지 대신 한지 패턴을 입힌 3D프린팅 갓으로 변환하였다. 재료에 대한 새로운 시각에서 전통의 현대화를 추구하는 조명.


결구된 빛 

우혜림

본인의 회화는 도시 풍경을 다루면서도 ‘풍경화’의 전형적 규범에서 고의적으로 비껴 서 있다. 
화면을 구성하는 건물들은 구조적 질서나 기하학적 안정감으로 조직되기보다, 밀도와 약함, 부유와 축적 사이의 미묘한 긴장 속에서 흔들린다. 때로는 화면을 가득 채울 만큼 과밀하게, 때로는 힘없이 엉켜 있는 가느다란 선으로 존재하는 이 건물들은, 도시라는 물리적 장소를 사실적으로 재현하기보다 작가(본인)의 심리적 기상도를 대리하는 일종의 ‘감정의 형상체’에 가깝다.

감정적 기록의 하나는 색의 선택이다. 본인 작업의 화면에는 검은색이 거의 등장하지 않는다. 대신 옅은 우유빛을 머금은 연보라색을 핵심으로, 도시의 밤을 묘사하는 데 있어 통상적인 암흑이나 대비를 배제하며,  대신 빛과 그림자가 서로를 잠식하지 않는 일종의 ‘완충지대’(buffer zone)를 만든다. 
그 결과 화면은 어둠 속에서도 침잠되지 않고, 빛 속에서도 낙관으로 치우치지 않는, 감정적 중간대의 서늘함을 품는다. 이 연보라빛은 도시의 피로가 퇴적된 공기와 동시에 작가(본인)가 그 도시를 통과하며 느낀 무력함과 애정을 섞어 그대로의 분위기를 버무려 낸다. 

본인의 도시에 인물은 없다. 그러나 결여가 곧 부재를 의미하지는 않는다. 인물을 직접 그리지 않되, 건물의 기울기, 창문의 빛, 빈 골목의 방향성등을 통해 감정의 주체를 암시한다. 이는 인물의 직접적 표상보다 깊은 감정의 대리 효과를 추구함 이다.
도시가 주체의 몸처럼 흔들리고, 뒤틀리고, 숨이 막혀 있다가도 문득 틈을 열듯 밝아진다. 도시를 인물의 형식으로 치환하는 이 방식은 일종의 감정의 ‘전이’(transference)이며, 이는 본인 작업의 가장 중요한 정체성 중 하나이다. 

또한 화면에 종종 드러나는 ‘틈’의 감각은 본인 작업세계에서 주목하는 지점이다. 새벽의 공기, 휴식의 공기, 감정이 미세하게 흔들리는 순간들이 화면 속에서 물리적 틈으로 표현된다. 이는 도시의 반복적 리듬 속에서 잠시 열리는 감각의 창이며, 작가(본인)의 시선이 세계를 다시 구성하는 순간이다. 이 틈의 존재는 본인의 그림을 정서적으로 과밀함에서 구출하며, 감정의 미세한 변화들의 순환을 꾀한다. 

궁극적으로 본인의 회화는 도시를 배경으로 펼쳐지는 개인의 조용한 내면극에 가깝다. 그 도시는 실제로 존재하지만, 동시에 작가의 감정이 투영된 허상적 구조물이기도 하다. 도시의 구조적 경직성과 인간 감정의 유동성은 작가(본인)의 화면에서 충돌하는 대신 서로를 스며들게 만든다. 
그 결과 본인의 회화는 도시라는 외부세계를 매개로 내면의 감정을 건축하는 독특한 회화적 언어를 구축해 나가고 있다. 

본인의 작업은 아직 성장 중이며, 앞으로 색의 농도 변화, 건물의 형태적 해체, 틈의 조형적 확장 등 다양한 방향으로 전개될 가능성을 열어두고 있다. 본인의 세계는 완결된 도시가 아니라, 지금도 계속해서 그려지고 지워지며 다시 세워지는 ‘밑그림’ 상태의 세계에 가깝다. 
그 불완결의 세계가 오히려 작업의 생명력을 유지하는 가장 강력한 에너지로 작동한다.  

momenthye

가끔은 마주친다. 그저 그런. 

날 거울 세우듯 세워두곤 
나의 가장 취약한 부분에 자신의 추악함을 겹쳐보는 그저 그런. 

‘ 음, 그보단 내가 낫군.’ 

날 그저 거울 세우듯 세워두곤 
언젠간 아물 그것에서 기어코 성취를 해 간다. 
내게 비추어 고작, 우월해 한다. 

그래——————- 어디 마음 껏. - 작가노트 중. 

<…moment, 내 비쳐진>

나 딴엔, 

그들 사이에 융화되었다 생각했다. 

나 딴엔. 

( 그런데 언제들 이렇게 불빛을 꺼버린 거지.) - 작업노트 중. 

<…moment, 나> 

<…moment, 내 비쳐진> 

<…moment, 허상과 환상의 미묘란> 60.6 * 40.9 / 2025 / oil on canvas 

“장주가 꿈에 나비 되었다가 
나비가 다시 장주가 되니 
무엇이 거짓이며 
무엇이 진짜인지 
분변하지 못했다. 
성진과 소유가 
누가 꿈이며 
누가 꿈이 아니뇨?“ 

-구운몽 . 김만중 p. 251 

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